Toujours dans l’optique de vous faire découvrir ma petite bourgade, je vais maintenant attirer votre attention sur  un poète qui y a séjourné six années durant. Comme vous l’avez deviné en lisant le titre, il s’agit bien de Jean-Marc Bernard.

Jean-Marc Bernard vit le jour à Valence le 4 septembre 1881. A la mort de son père, en 1902, sa mère s mère vint s’installer à Saint Rambert tandis que lui retournait  à Valence, qu’il avait quittée pour ses études. De nature influençable, il adhère aux idées politiques d’un dénommé Raoul Monier. Cette personnalité influençable se ressent dans ses écrits de l’époque puisque l’on remarque un certain classicisme, efficace mais sans grand génie pour autant.

L’année 1909 marque un tournant puisqu’il vint s’installer chez sa mère, à Saint Rambert d’Albon (une plaque commémorative est encore présente sur l’appartement du 21  Rue de Marseille) donc, et va commencer à s’émanciper intellectuellement. Le logement maternel servait de repère à son petit monde d’écrivains parmi lesquels se trouvait Francis Carco. Ce petit groupe refaisait le monde intellectuel et animait plusieurs revues littéraires. Jean-Marc commença à publier ses premiers recueils poétiques. Sa notoriété commençait à s’étendre grandement jusqu’à ce que la Grande Guerre éclate. Il s’engagea et fut envoyé en Artois, sous un fort bombardement ennemi. C’est là qu’il publie son principal poème, De Profundis, que je vous détaillerai dans mon prochain article. Ce poème lui promettait une renommée nationale mais il n’eut pas le temps d’en profiter puisqu’un obus l’anéantit le 8 juillet 1915.

L’Académie Française a publié l’ensemble de son œuvre en 1923 et Valence, Vienne et même Lyon (j’ai bien vérifié) ont donné son nom à une de leurs rues.

J’ai profité de la 24^ème édition des Reflets du cinéma Ibérique et Latino-américain pour visionner un film charnière des années 90. Ce film d’Alex de la Iglesia (Crimes à Oxford) ne vous dit rien et c’est bien dommage.

J’aime de plus en plus ce réalisateur et pas seulement parce qu’il arbore la barbe des Dieux du cinéma (Coppola, Kubrick…).  Son talent ne se limite pas à son physique mais bien à sa capacité bousculer le cinéma et à rajouter une touche personnelle à un scénario efficace mais sans plus.

Suivre les pas de ce curé qui s’est donné pour mission d’entrer en contact avec le Diable afin d’assassiner son fils qui devrait naître le 25 décembre 1995 (rien que ça) est un vrai régal. Il est bien évident qu’un tel scénario ne peut que s’agrémenter d’humour noir (noir noir et non pas noir… un peu blanc) distillé à souhait. C’est heureusement le cas et rien que pour ça, le film vaut le détour. A voir également la galerie de personnages, tous plus improbables les uns que les autres. Du « death-métaleux » au roi de l’audimat « mystique » en passant par la mère un tantinet malcommode et la blonde pimbêche, ces portraits sont un vrai régal. Si l’on ajoute une Madrid en plein chaos urbain et la venue tant attendue du Diable, on obtient un vrai film culte pour des milliers de personnes.  C’est d’autant plus un film culte qu’il marque le retour du cinéma espagnol au plus haut niveau. On peut classer ce film dans le genre réalitico-fantastique, au même titre que ceux de Guillermo del Toro, l’humour en plus. Cette vague espagnole déferle sur la planète Cinéma et nous rappelle qu’il n’y a pas que Pedro Almodovar qui sache réaliser des films au pays de Cervantès.

Mais qui pouvait en douter ?

C’est le film Américain de l’année. Film Américain, quel terme péjoratif.  A cette simple association, j’entends déjà les reproches affluer. « Et encore des cow-boys qui se croient sur un champ de tir ». Certes, mais ce serait mal comprendre ce genre de cinéma.

En se laissant pénétrer par le film, le spectateur se retrouve plongé dans une expérience assez intéressante.

Et si le scénario n’était qu’un rideau de fumée ? Et si le personnage principal ne servait à rien ? Et si Javier Bardem faisait son entrée au Panthéon des plus grands Psychopathes du cinéma ? Et si derrière l’apparente folie de son personnage se cachait une perception différente du rapport à autrui ? Et si les frères Cohen n’étaient pas en train de nous démontrer que faire des films en famille en améliore la qualité de façon tout à fait exceptionnelle ? Et si les Frères Cohen inspiraient d’autres frères Français ?

 Est-ce que c’est normal que je me pose tout un tas de questions pendant un film ?

Vous l’avez bien compris, No Country for Old Men n’est pas un film comme les autres. J’entends par là qu’il ne correspond à aucune convention et en est même inclassable. Les personnages les plus travaillés sont les trois rôles secondaires : Javier Bardem en tueur philoso-psychopathe ; Tommy Lee Jones en policier poursuivi par ses fantômes et dépassé par une réalité trop effrayante ; et le Personnage féminin, perdu dans cette histoire que seule l’Amérique peut nous offrir.

L’histoire, et bien parlons-en. Un homme parti chasser l’antilope au fusil à lunette trouve un sac de dollars perdu au beau milieu d’un carnage. Il commet l’erreur de l’emporter et de provoquer le courroux d’un tueur complètement cinglé jurant de le retrouver. Dit comme ça, je conçois que ça ne fasse pas envie. Mais pourtant. Le rythme est étrangement lent, le temps de permettre au spectateur de réfléchir. Malgré les apparences, on est bel et bien en face d’un film cérébral et remarquablement bien soigné. Les contrastes sont saisissants et le calme apparent surprend, comme si les personnages évoluaient au ralenti.

C’est un film saisissant.